Both dancers‘ Bodies demonstrate breathtaking Mastery in taking their Audiences on a Journey towards the Boundaries of Reality.
 

‘Glitch‘, a technical term borrowed from electronic jargon, refers to a brief signal error within a digital system. How would such an error impact our bodies? Multimedia artist Florencia Demestri and dancer Samuel Lefeuvre explore and transfer digital effects onto the human body and thus demonstrate its vulnerability in a remarkable manner. Touching, eerie and esthetical at the same time this performance, in which the artists present body and ‘software‘ separated from each other, generates a novel representation of Frankenstein, complete with creative anomalies, esthetical appearances and a hint of humaneness.

Choreography and Dance: Florencia Demestri, Samuel Lefeuvre, Light design, scenography and stage manager: Nicolas Olivier, Music: Raphaëlle Latini, Artistic Advice: Laëtitia Bica, Costumes: Vanessa Pinto, Dramaturgy: Emanuelle Nizou , Assistant for Dramaturgy: Jill De Muelenaere, Production: LOG asbl Associate, Production: Vaisseau asbl, Administration, production and distribution: AMA / Arts Management Agency, Co-Production: tanz ist

Gemeinsam mit dem Sounddesigner Pascal Holper untersucht Simon Mayer die vielfältigen Manifestationen eines universellen Volkstanzes und findet eine Antwort im Atmen - als Notwendigkeit und als Praxis. Being Moved ist eine Performance der Transgression und Transformation, die uns ins Unbekannte eintauchen lässt, wo der Atem zu Bewegung wird und umgekehrt. Ein Tanz, der uns dazu inspiriert, unser volles Ausdruckspotential auszuschöpfen – basierend auf spontaner Kreativität statt fixen Regeln. Ein Tanz, der erforscht, was uns in Bewegung bringt und was uns bewegt. Zur Feier unserer Vorstellungskraft teilt Simon Mayer die Bühne mit (un)sichtbaren Darsteller*innen, die untersuchen, was wir als Realität wahrnehmen, glauben und fühlen.

Being Moved

In his new performance Simon Mayer explores various types of ,movements'. What moves us? What can we move? What does it mean to be moved - emotionally, physically, mentally? What significance does it have to let go and submit to the present moment? Together with sound designer Pascal Holper and trance scientist Corine Sombrun Simon Mayer probes the multiple manifestations of a universal folklore dance which centres on liberty and self-determination? Being moved is a performance of transgression and transformation, both of which allow us to delve into the unknown, where movement becomes sound and vice versa. This is a dance that inspires us to exhaust our entire potential for expression, triggered by on spontaneous creativity instead of rigid rules. This is a dance that takes humour seriously. This is a dance that explores what sets us in motion and what moves us. To probe our imagination Simon Mayer shares the stage with (in)visible co-performers who question our perception of reality, our beliefs and feelings.

Komposition, Performance: Simon Mayer, Sound design, Co-Kreation: Pascal Holper Dramaturgische Beratung: Guy Cools, Robert Steijn, Lichtdesign: Sabine Wiesenbauer Kostüm- und Bühnenbild: Diego Andrés Rojas Ortiz, Nicole Lechner (Harnisch), Magdalena Adriane (Schneiderin), Max Salesse (Requistenbau), Sabine Wiesenbauer(Federlampen) Technische Koordination: Jeroen Smith, Projektmanagement: Katrin Pröll, Produktion: Hiros, Kopf Hoch/Miriam Lesch, Koproduktion: brut Wien, Rosendal Theater, tanz ist, Beratung: Corine Sombrun, Karoline Maria Wimber

In Zusammenarbeit mit: Kunstenwerkplaats, AMOK Festival/ KAAP, CC Brugge, Dans in Brugge, IGNM-OÖ Linz
Dank an: Virginie Pfeiffer, Emilie Laurent, Justine François, Martina Knoll, Michael Hazod, Coupé Décalé, Needcompany

www.simonmayer.at

Mit Unterstützung von:

Stand-Alones ist eine choreografische und musikalische Komposition aus gleichzeitig performten Soli, die an bestimmten Momenten miteinander synchronisiert und zu einer Polyphonie zusammengeführt werden. Jede Inszenierung beruht auf einer eigenen Musik- Sprach- oder Soundkomposition. Konzipiert für den Museumsraum (Leopoldmuseum Wien, Musée d’Art Moderne Paris) erstrecken sich die "Stand-Alones" nun erstmals über das Areal des Spielbodens inclusive dem Parkhaus.

Stand-Alones ( polyphony) wurde ursprünglich für das Leopold-Museum Wien (ImPulsTanz 2019) konzipiert.

Die Stand-Alones Performances im öffentlichen Raum setzen diese choreografischen Miniaturen in Kontext zur Stadtarchitektur. Jede einzelne tänzerische Interpretation beruht auf einer eigenständigen Musik- Sprach- oder Soundkomposition.

Durch das von Liquid Loft entwickelte komplexe, flexible Sound-System schaffen die Performer*innen ohne aufwändiges technisches Set-Up beeindruckende Performance-Sequenzen im urbanen Raum. Die choreografische Komposition besteht aus einer Reihe von gleichzeitig performten Soli, die zu bestimmten Momenten der Aufführung miteinander synchronisiert und zu einer Polyphonie zusammengeführt werden.

Die Dramaturgie basiert auf der Fähigkeit des assoziativen Rezipierens und wird zusätzlich durch die Stadtarchitektur und die Bewegung der Zuseher*innen beeinflusst.

Tanz, Choreografie: Luke Baio, Stephanie Cumming, Dong Uk Kim, Katharina Meves, Dante Murillo, Anna Maria Nowak, Arttu Palmio, Hannah Timbrell, Künstlerische Leitung, Choreografie: Chris Haring, Choreografische Assistenz: Stephanie Cumming, Komposition, Sound: Andreas Berger, Licht Design, Szenografie: Thomas Jelinek, Theorie, Text: Stefan Grissemann, Stage Management: Roman Harrer, Foto- und Videodokumentation: Michael Loizenbauer, Internationale Distribution: APROPIC – Line Rousseau, Marion Gauvent, Company Management, Produktion: Marlies Pucher

Eine Koproduktion von Liquid Loft und ImPulsTanz Vienna International Dance Festival.

Liquid Loft wird gefördert von der Kulturabteilung der Stadt Wien und vom Bundesministerium für Kunst, Kultur, öffentlichen Dienst und Sport.

Im Tanz werden die Körper politisch, zugleich wird das Politische poetisch. In Stranger Than Paradise wird dieses doppelte Spiel mit außerordentlicher Konzentration betrieben. Der Titel der Produktion ist einem Road-Movie entliehen, das nicht ästhetisch oder narrativ, nur atmosphärisch Pate stand. Der Regisseur und Autor Jim Jarmusch zeichnete 1984 in Stranger Than Paradise die tragikomische Koexistenz dreier einsamer Figuren als Choreografie winterlicher Verlorenheit nach: entkräftete Körper in weiten, leeren Räumen, in „posthumanen“ Szenerien. Im sphinxischen Schillern der TänzerInnen ist die alte Utopie der Gleichberechtigung der Wesen versteckt. Die Auseinandersetzung mit dem humanimal wirft Fragen der Teilung und der Verdoppelung auf. Ist das Bild, das der Spiegel produziert, eine Addition oder eine Division? Teilt er die Ansicht, die sich ihm bietet, oder doppelt er sie? Die Illusion des Menschlichen, die in dessen perfekt nachgebauten Oberflächen steckt, täuscht über das Artifizielle der neuen Spezies hinweg. Wir werden uns an sie, also an uns gewöhnen. (Stefan Grissemann, gekürzt)

In dance the bodies become political, at the same time the political becomes poetic. In Stranger Than Paradise this double game is played with extraordinary concentration. The title of this production is borrowed from a road movie that serves as an influence not aesthetically or narratively, rather atmospherically. In 1984, the director and author Jim Jarmusch sketched the tragicomic coexistence of three lonely characters as a choreography of wintry forlornness: exhausted bodies in wide, empty spaces, in “posthuman” scenarios. The idea of urban cool, which Jarmusch transfers to the snowy landscapes of Cleveland, is translated by Liquid Loft into a reflection on the expansion of biological capacities: into the mechanical, the creatural, and the “monstrous” of an animal-human existence. (Stefan Grissemann)

Tanz, Choreografie: Luke Baio, Stephanie Cumming, Dong Uk Kim, Katharina Meves, Dante Murillo, Anna Maria Nowak, Arttu Palmio, Hannah Timbrell. Künstlerische Leitung, Choreografie: Chris Haring. Soundkonzept, Komposition: Andreas Berger. Lichtdesign, Szenografie: Thomas Jelinek. Videoproduktion, Kamera: Kurt van der Vloedt (Artvan). Kostüme: Stefan Röhrle. Ausstattung: Liquid Loft. Bühnenmanagement: Roman Harrer. Internationale Distribution: APROPIC – Line Rousseau, Marion Gauvent. Company-Management, Produktion: Marlies Pucher. Theorie: Stefan Grissemann.
Arrangements von Andreas Berger, zusätzlich verwendete bzw. bearbeitete Musik: Penelope Trappes – The Hair Shirt, Eurythmics – Aqua. Stranger Than Paradise ist eine Produktion von Liquid Loft in Kooperation mit dem Tanzquartier Wien.